Antonio Canova est un sculpteur et artiste italien. Il était le représentant le plus important du classicisme dans la culture européenne. Les universitaires du XIXe siècle, dont Thorvalsen, le considéraient comme un modèle. Les plus grandes collections d’œuvres de Canova sont conservées au Louvre et à l’Ermitage.
Un représentant exceptionnel du nouveau classicisme a loué la beauté parfaite. Avec son travail, il a fait une révolution dans l'art. Le maître a commencé à créer à la manière baroque de Lorenzo Bernia, mais a ensuite réussi à trouver son propre chemin.
Le début de la créativité
La biographie du célèbre maître a commencé en 1757. Il est né dans la ville italienne de Possagno dans la famille du tailleur de pierre Pietro Canova et de son épouse Angela Zardo Fantolini le 1er novembre. Le père est décédé en 1761. L'enfant a été élevé par son grand-père.
Pazino Canova, qui possédait des ateliers de maçonnerie, a été très difficile. Le garçon a appris à travailler avec la pierre. Grand-père a remarqué le talent de son petit-fils et a présenté Antonio Giovanni Faliero. En 1768, sous le haut patronage d'un sénateur influent, le jeune maître commence à fabriquer les premières œuvres.
Pour enseigner à son petit-fils, son grand-père a vendu la ferme. Les fonds reçus Antonio a pu étudier l'art de l'ère de l'antiquité. En octobre 1773, le jeune homme entreprend la sculpture "Orphée et Eurydice", commandée par son mécène. Fini la sculpture de Canova deux ans plus tard. Le succès de l'œuvre était assourdissant.
La source d'inspiration pour le jeune sculpteur était l'art grec ancien. Les chefs-d'œuvre reconnus de son époque ne sont pas inclus dans le nombre de modèles. À Venise, Antonio a ouvert son atelier. En 1779, une nouvelle composition a été créée, Daedalus et Icarus. Après l'avoir exposé sur la place Saint-Marc, il y avait de nouveau une reconnaissance universelle.
Magnifique travail
Dans l’une des premières œuvres à succès de Canov, deux figures sont présentées. Icare est impeccablement beau et jeune. Le corps du vieux Daedalus est imparfait.
Dédale et Icare
Sur l'exemple de la juxtaposition de la jeunesse et de la vieillesse, l'impression de la composition est grandement renforcée.
Le sculpteur a trouvé et utilisé une nouvelle technique, devenue une de ses préférées. L'axe de symétrie passe par le centre, mais la figure d'Icare s'écarte en arrière. Ensemble, les deux héros créent une ligne en forme de X, fournissant l'équilibre nécessaire. Pour le maître, le jeu de l'ombre et de la lumière était également important.
En 1799, le maître de vingt-deux ans s'installe à Rome. Il a commencé à étudier les créations des maîtres de la Grèce. Après avoir appris tous les personnages principaux de la mythologie, Canova a réfléchi à ses propres traditions artistiques. Le jeune maître a mis la noblesse de la simplicité à leur base. Cela a considérablement affecté son travail.
"Cupidon et Psyché"
Les sculptures des contemporains d'Antonio égalent les sculpteurs légendaires de l'Antiquité. Le maître a travaillé sur l'amélioration du style classique. Le sculpteur s'intègre parfaitement dans l'atmosphère culturelle de la ville éternelle. Son travail lui a valu la reconnaissance et le succès mondial.
La composition "Cupidon et Psyché", réalisée en 1800-1803, est représentée par deux figures. Le Dieu d'amour regarde le visage d'un bel amant avec tendresse. Psyché lui répond avec le même sentiment. L'intersection des deux figures forme une ligne sinueuse et douce en forme de X.
Le public a l'impression d'avoir des figures flottantes dans l'air. La psyché avec Cupidon dévie en diagonale. L'équilibre est atteint par les ailes déployées d'un résident de l'Olympe. Le centre de la composition est le dieu étreignant de l'amour Psyché. Les formes des formes se distinguent par une douceur élégante. Le maître exprime donc l'idée de l'idéal de beauté. La statue d'origine est conservée au Louvre.
Les premières œuvres du sculpteur ont répété celles d'éminents sculpteurs. Cependant, alors qu'il étudie les œuvres de maîtres grecs, Canova décide d'éviter d'exagérer l'importance de la passion et des gestes dans ses compositions. Il est arrivé à la conclusion que ce n'est que par un calcul et un contrôle stricts qu'il peut transmettre la sensualité à l'idéalité.
Les œuvres du maître ne ressemblaient en rien à l'art familier à ses contemporains. Par étapes, Canova a créé des œuvres uniques, passant de la cire et de l'argile au gypse. Ce n'est qu'après que tout a commencé à travailler avec du marbre. Le sculpteur a travaillé sans relâche pendant 14 heures, sans quitter l'atelier même une minute. Il n'y a aucune information sur sa vie personnelle.
"Trois grâces"
Entre 1813 et 1816, la sculpture "Trois grâces" a été créée. L'idée a été présentée par Joséphine Beauharnais. Il y a des hypothèses, au début le sculpteur allait dépeindre Harit traditionnellement, comme on le supposait dans la mythologie. Thalia, Euphrosyne et Aglaya, les belles filles de Zeus, accompagnaient la déesse de la beauté Aphrodite.
Les symboles de grâce sont devenus joie, prospérité et beauté. La figure centrale de la composition est embrassée par les deux autres. L'unité renforce l'écharpe qui les unit. Un pilier avec une couronne placée dessus sert comme une sorte d'autel.
Le jeu de la lumière et de l'ombre est obtenu par la douceur des courbes des corps et le traitement parfait du marbre. Cette technique a été utilisée dans d'autres créations du maître. Harmonie et sophistication incarnent les trois Harites. La sculpture originale est conservée à l'Hermitage.
Le sculpteur de marbre n'a utilisé que du marbre blanc pour la modélisation. Avec l'harmonie des compositions, l'immobilité des créations semble vivante. L'impression de réveil en mouvement. Une caractéristique du talent du maître était le polissage maximal du matériau. Toutes les œuvres ont gagné un éclat particulier, attirant l'attention sur le naturel.
